Cinemascope

Arrivederci ragazzi (Louis Malle, 1987)

cinemascope85 — Sat, 28 Jan 2012 10:24:39 +0000

Gennaio 1944: al Collegio di Fontainebleau, gestito dai Carmelitani Scalzi, le giornate dei bambini scorrono lente e monotone tra scherzi, litigi e libri proibiti letti di nascosto. Fuori, c’è la guerra.
Così semplice e dignitoso, così straziante e universale, il finale di “Au revoir les enfants” si staglia su tutto il resto del film – ordinato e commosso anche se piuttosto convenzionale, omaggio pedissequo di Louis Malle al cinema dell’infanzia di François Truffaut – per brillare di luce propria e rimanere impresso per sempre, non solo limitatamente ai film che in tutti questi anni hanno affrontato il tema dell’Olocausto. La sconfitta della ragione e della dignità umana passa attraverso l’ineffabile ufficiale della Gestapo che spiega a dei bambini impietriti e intirizziti perché i tedeschi sono meglio dei francesi, perché sono più “disciplinati”. Leone d’Oro al Festival di Venezia 1987, ispirato ad alcuni episodi vissuti da piccolo dal regista (che li fisserà anche su carta nel 1993 con un romanzo omonimo), è uno dei migliori film didattici sul tema; privo di orpelli e di virtuosismi, completamente dedito alla causa della Memoria, simboleggia senza una parola di troppo la fine dell’innocenza e l’inizio dell’età adulta, quando si inizia fare i conti con concetti inconcepibili come il tradimento, la tirannia, la prepotenza di uomini su altri uomini; quando ci si accorge che un solo sguardo può fare molto più male di tante zuffe allegramente furibonde consumate nel cortile di un oratorio.

Voto: 7+

La talpa (Tomas Alfredson, 2011)

cinemascope85 — Wed, 25 Jan 2012 00:08:06 +0000

Londra 1973: tra gli agenti segreti al servizio di Sua Maestà c’è un infiltrato al soldo del KGB.
Non è facile accostarsi alla recensione di “Tinker Tailor Soldier Spy” (meglio il bel titolo originale, omonimo del famoso romanzo di John Le Carré che diede origine nel 1979 anche a una mini-serie televisiva con Alec Guinness come protagonista). Il motivo è presto detto: è un film pressoché incomprensibile, densissimo di nomi luoghi fatti e ulteriormente complicato da una struttura a flashback che evita ellitticamente l’azione e si concentra praticamente solo sui dialoghi. Magari potete prenderlo come una sfida con voi stessi: se riuscirete a stargli dietro, sarete pronti per una carriera da provetti giallisti. E se andrà male, non è detto che avrete buttato due ore: a noi, dopo aver smarrito il filo del discorso dopo poco più di mezz’ora e trovandoci perciò costretti a trovare un motivo d’interesse nei successivi 90 minuti, è capitato di scoprire un grande regista. Lo svedese Tomas Alfredson, già rivelatosi nel 2008 col bellissimo horror “Lasciami entrare”, ha una personalità sconosciuta alla quasi totalità dei registi americani cosiddetti “di genere”, specializzati cioé in thriller e polizieschi spesso altrettanto complicati ma con molto meno arrosto. Alfredson non sbaglia una scena, non banalizza mai un’inquadratura, non trascura alcun dettaglio; non è di quelli che si appoggiano passivamente al copione e agli attori, ma ne esalta le qualità immergendoli in un’atmosfera rarefatta, fuori dal tempo (anche se la ricostruzione d’epoca è impeccabile). Sa andare oltre la semplice costruzione di un viluppo inestricabile e invita a dirigere lo sguardo in tutte le direzioni, esibendosi in lampi di estro registico spesso sorprendenti (la scena finale). Ha 46 anni e il talento per reggere l’urto di una carriera mainstream. Da buoni cinefili annotiamo infine la fresca nomination agli Oscar per il buon vecchio Gary Oldman – incredibile ma vero, è la prima della sua carriera.

Voto: 6,5

Apocalypse Now (Francis Ford Coppola, 1979)

cinemascope85 — Sun, 22 Jan 2012 11:41:07 +0000

Saigon 1969: al capitano Benjamin Willard, tornato in Vietnam dopo un fallimentare tentativo di ritorno alla vita civile, viene affidata la missione di risalire il fiume Nung per trovare e uccidere Walter E. Kurtz, ex colonnello dell’esercito che si è ribellato alla patria ed è diventato la guida spirituale di una tribù di montagnard cambogiani che lo venera come un dio.
“L’orrore. L’orrore”. Nel più grande film di guerra mai realizzato, paradossalmente, la guerra si vede solo fino a un certo punto. Nella follia del capitano Kilgore, che guida l’attacco al villaggio ascoltando Wagner e s’impunta per fare surf tra i colpi di mortaio di “Charlie”, o in un’ordinaria imboscata a colpi di frecce in mezzo alla giungla. Ma, tra le pellicole sul Vietnam, “Apocalypse Now” è la meno realista e la più allegorica: a ferita ancora fresca (gli accordi di pace di Parigi erano stati firmati nel gennaio 1973), prende spunto dal conflitto per una riflessione definitiva sulla guerra che è dentro di noi, su un’America e un Occidente allo sbando che inconsapevolmente combattono sé stessi, i propri fantasmi travestiti da vietcong. Tutto è delirio, brutalità, orrore, di giorno e di notte, col sole e con la pioggia, sulla spiaggia e nel pantano, lì “nel buco del culo del mondo”, in una lunghissima, eterna “risalita agli inferi” che inevitabilmente porterà non a scoprire la saggezza e il senso di una guerra e della vita stessa, bensì alla sorgente dell’abiezione, sotto le sembianze animalesche di una violenza primordiale e di un cieco istinto autodistruttivo (“Drop the bomb, exterminate them all!”, si può leggere tra gli appunti di un Kurtz ormai pazzo). Ispirata solo in parte a “Cuore di tenebra” di Joseph Conrad, è un’opera immane di ultra-cinema da cui Francis Ford Coppola – anche a causa di una realizzazione piuttosto difficoltosa – rimase sopraffatto, tanto da cadere in depressione e tentare il suicidio durante la lavorazione. Dal punto di vista tecnico, assistiamo al caso più unico che raro di un direttore della fotografia (il 39enne romano Vittorio Storaro, premiato con l’Oscar) che si erge a mattatore e stella assoluta dell’ultima mezz’ora, plasmando dall’ombra il cranio rasato e luminescente di Kurtz ed ergendosi come massimo responsabile di quel clima allucinante e spiritato, indimenticabile. Ultimo grande ruolo di un Marlon Brando già alle prese con i primi segnali di disfacimento psico-fisico: qui Coppola gli concede il canto del cigno regalandogli un personaggio clamoroso che lui interpreta aggredendolo con la sua debordante personalità, secondo uno stile che ricorda certe parti minori di Orson Welles. La versione Redux, edita nel 2001, è più lunga di 53 minuti e contiene frammenti e sequenze (l’intermezzo con le conigliette, la parentesi nell’avamposto francese in Cambogia) che aggiungono poco all’opera originale. La scritta “Apocalypse Now” campeggia su un muro del villaggio cambogiano in cui è ambientata l’ultima parte.

Voto: 8,5

Fandango (Kevin Reynolds, 1985)

cinemascope85 — Sat, 21 Jan 2012 11:40:47 +0000

Austin, 1971: due freschi neo-diplomati (uno dei quali prossimo alle nozze) ricevono la temuta lettera di chiamata alle armi e partono con altri tre amici verso il confine con il Messico, sognando la fuga dal matrimonio, dal Vietnam e dalle responsabilità.
Primo film di Kevin Reynolds, all’epoca 33enne, e primo grande successo del suo sodale Kevin Costner: i due rimarranno in auge a Hollywood per un decennio abbondante, rinnovando con successo la loro collaborazione nel blockbuster “Robin Hood – Il principe dei ladri” (1991), prima di veder inabissare le rispettive carriere col mega-flop “Waterworld” (1995). Nel classico filone hollywoodiano delle “operazioni-nostalgia”, è uno degli esempi più vivaci: avventura picaresca con lo spettro del Vietnam costantemente sullo sfondo, indulge poco alla retorica e alla critica sociale ma, con spirito tipicamente anni ’80, spinge allegramente sul pedale del divertimento e del cazzeggio. Lo sottolinea la bella colonna sonora d’epoca, con “Saturday Night’s Alright (For Fighting)” di Elton John in prima fila a fare da commento agli scatenati titoli di testa. Facce fresche, fotografia torrida, splendidi paesaggi. Il lungo episodio della scalcagnata Pecos Parachute School, l’improbabile accademia di paracadutismo che sorge in mezzo al deserto del Texas, vale da solo tutto il film. Nessuno tra gli altri co-protagonisti ha avuto una carriera granché memorabile; Suzy Amis (Debbie, la promessa sposa di Kenneth) è dal 2000 la moglie di James Cameron.

Voto: 7-

Le idi di marzo (George Clooney, 2011)

cinemascope85 — Thu, 19 Jan 2012 22:30:38 +0000

Scontro di coltelli tra opposte fazioni durante le Primarie del Partito Democratico alla vigilia del voto decisivo in Ohio.
Dopo l’intermezzo di “Leatherheads” (2007, in italiano “In amore niente regole”), George Clooney torna al cinema civile a sei anni dall’ottimo “Good night, and good luck”. Ambientato per forza di cose in un’America parallela in cui Obama non è mai arrivato alla Casa Bianca e i Democratici si scannano per decidere il loro candidato alle Presidenziali 2012, è la raffinata ed energica messa in scena da sinistra di un’America disillusa e problematica, senza più fiducia nelle sue istituzioni, riposseduta da quella paranoia che contraddistingueva i thriller politici anni ’70. Niente di particolarmente originale o iconoclasta, ma tutto è espresso con lucidità espositiva e ritmo ammirevoli. “Le idi di marzo” fila via come un treno, non ha note false né momenti sottotono, ha la solidità e il mestiere delle opere più mature e stratificate di un Pollack o un Pakula. Nella dissezione senza sconti del proprio partito di riferimento, Clooney (anche co-sceneggiatore con Grant Heslov e Beau Willimon) non spreca una parola né uno sguardo, affidandosi molto agli attori (tutti bravissimi) ma imponendosi allo stesso tempo con uno stile asciutto ed elegante come un vestito su misura, e mantenendo uno stile e un aplomb da manuale dall’inizio alla fine: ne sono esempio i battibecchi da screwball comedy tra Gosling e Evan Rachel Wood o lo scontro tra il governatore e il suo spin doctor nella penombra della cucina di un bar, modelli di recitazione e scrittura controllata. Ryan Gosling, tra le rivelazioni del 2011, è glorificato con un personaggio di straordinaria finezza e complessità. Peccato per il finale, debole e statico, che un po’ rovina il divertimento e abbassa il voto. Curiosità: lo slogan della campagna di Mike Morris, “I like Mike”, rievoca il repubblicano “I like Ike” inventato nel 1952 per il generale Dwight Eisenhower.

Voto: 7,5

Shame (Steve McQueen, 2011)

cinemascope85 — Tue, 17 Jan 2012 11:31:08 +0000

La grama esistenza di Brandon Sullivan, che coltiva la sua ossessione per il sesso in tutte le sue forme abitando, solo e ramingo, in un appartamento al centro di New York.
Secondo film del 42enne londinese Steve McQueen, messosi in luce nel 2008 con l’opera prima “Hunger” che gli valse la Caméra d’Or a Cannes. Film senza speranza e senza vero interesse se non di facciata, imprigionato in un’estetica modaiola in cui l’analisi dei presunti problemi socio-sessuali del maschio wasp contemporaneo si ferma alla superficie, come farebbe oggi un Adrian Lyne un filo più intellettualoide (anche se forse lui non si sarebbe fatto mancare la morbosa scena d’incesto fratello-sorella. C’è sempre da imparare). “Shame” è a lungo una pellicola inguardabile, classico esempio di film-scandalo nella sua forma deteriore, cibo per festival cinematografici in declino (Venezia, per non fare nomi) con le sue camere fisse e i suoi irritanti dialoghi improvvisati. “Sono le azioni che contano, non le parole”: ma “Shame” resta a lungo piombato al suolo e riesce a sollevarsi faticosamente dalla sua inerzia solamente nel disperato finale, che pure non evita di cadere nella maniera. Il problema di fondo è che – in quest’ispezione clinica negli abissi della sex-addiction – manca ogni traccia di discorso costruttivo, di variazione sul tema o di semplice compassione (per non parlare dell’ironia, del tutto inesistente). Nota di demerito per un Michael Fassbender dalla marmorea monoespressività, invano sostenuto da una Carey Mulligan sempre luminescente e meritevole di miglior sorte. Per un confronto, si riguardi il bellissimo “A single man” (Tom Ford, 2009), opera forte e appassionata sulla solitudine esistenziale che avrebbe molto da insegnare a McQueen anche nella costruzione dei personaggi e nella gestione degli spazi. “Shame” è invece solo un film pretenzioso e autoreferenziale, che non riesce a rivolgere lo sguardo e il pensiero al di là del proprio ombelico (o forse un po’ più giù).

Voto: 4,5

J. Edgar (Clint Eastwood, 2011)

cinemascope85 — Sat, 14 Jan 2012 13:22:57 +0000

Vita e opere di J. Edgar Hoover (1895-1972), l’uomo che modernizzò l’FBI, rivoluzionò la sicurezza interna degli Stati Uniti d’America e terrorizzò il suo Paese con un imponente archivio di rivelazioni e segreti di Stato andato quasi totalmente distrutto dopo la sua morte.
Clint Eastwood ritorna al film biografico 23 anni dopo il bellissimo “Bird”, sulla vita del jazzista Charlie Parker. Tanto tempo è passato e oggi lo stile di Eastwood, divenuto col tempo più classico, si trova a disagio con i bio-pic, che per definizione sono raccolte di episodi, aneddoti, suggestioni senza una narrazione nel senso tradizionale del termine. Avrebbe dovuto aiutarlo Dustin Lance Black, Oscar per l’ottima sceneggiatura di “Milk” (Gus Van Sant, 2009), ma la sua mano non si vede: “J. Edgar” è scritto seguendo alla lettera le convenzioni del genere, dal continuo ping-pong passato-presente (sviluppato attraverso il consunto espediente delle “memorie”) fino alle non riuscitissime parentesi sulla vita privata e la presunta omosessualità di Hoover, cui un vecchio repubblicano come Clint si accosta con disagio (e il suo fedele braccio destro Clyde Tolson ne esce come una sbiadita macchietta). La regia di Eastwood, questa sì più hooveriana del personaggio principale, serve a mantenere l’ordine e garantire la sicurezza allo spettatore, evitandogli di perdersi nei tourbillon di nomi e facce di uno Scorsese (“The Aviator”), anche se il suo barocchismo sarebbe forse stato l’unico modo per confezionare quella definitiva allegoria sul Potere (attraverso l’uomo che l’ha impersonato per quasi mezzo secolo) cui il regista non dà mai prova di ambire fino in fondo. Rimane perciò la (solita) storia di fantasmi privati e pubbliche virtù in cui regna sovrano un DiCaprio infallibile, che con le guance imbottite di ovatta manda echi di don Vito Corleone e del Servillo del “Divo”. Cast estremamente professionale con Judi Dench come sempre incisiva in un ruolo minore. Hollywood si misura ormai ciclicamente con riflessioni sulla torbida storia degli USA, guardando quasi sempre al passato e quasi mai al presente (ricordiamo anche il dimenticabile “The Good Shepherd” di De Niro sulla storia della CIA); chissà se compierà mai quel salto di qualità in cui in trent’anni è riuscito un paio di volte solo Oliver Stone, l’unico – con “JFK” (1991) e “Nixon” (1995) – a uscire dal recinto delle allusioni e delle mezze verità per realizzare opere di coraggiosa e totale denuncia.

Voto: 6

Il segreto di Vera Drake (Mike Leigh, 2004)

cinemascope85 — Mon, 09 Jan 2012 23:25:21 +0000

Londra 1950: Vera Drake, domestica e madre modello, aiuta “donne che hanno bisogno” all’insaputa della sua adorata famiglia, praticando aborti clandestini a domicilio. Ma è un reato penale.
Uno dei film più celebrati della carriera di Mike Leigh (Leone d’Oro a Venezia) non è, come fatalmente spesso succede, uno dei suoi migliori. La trama è confezionata con irreprensibile drammaturgia e senso del ritmo per conquistare ampie fette del pubblico impegnato o finto tale; il tema civile è forte abbastanza da conquistare i commossi favori delle giurie festivaliere (a Venezia presiedeva il connazionale John Boorman), le interpretazioni sono inattaccabili. A una prima parte descrittiva, illustrativa e un po’ verbosa, ne segue una seconda di rapidità quasi brutale nel consegnare Vera Drake nelle mani della giustizia e contemporaneamente far crollare un ménage familiare finalmente sereno, oltretutto sotto Natale. Molto suona costruito e, invece che far vibrare le corde dell’indignazione, sembra che Leigh si adoperi sottilmente più su quelle del calcolo e della lacrima facile. Naturalmente, rimane un prodotto di gran classe alla (buona) maniera degli inglesi: la realtà sociale della Londra uscita a pezzi dalla guerra è riprodotta con correttezza calligrafica e la stessa regia non si discosta mai da un registro sobrio e misurato (Vera che armeggia con i suoi “attrezzi da lavoro” con amorevole devozione). Ma insistiamo: si veda per un confronto lo splendido “Un affare di donne” (Claude Chabrol, 1988), che tratta lo stesso argomento lasciando che le emozioni e lo sdegno escano fuori naturalmente dai semplici fatti, invece che dai singhiozzi e dai primi piani contriti della 47enne Imelda Staunton (anche lei premiata in Laguna e giunta persino alla candidatura all’Oscar).

Voto: 6,5

Pleasantville (Gary Ross, 1998)

cinemascope85 — Sun, 08 Jan 2012 11:19:44 +0000

David e Jennifer Wagner, gemelli senza padre e con madre problematica, sono grandi appassionati della sit-com anni ’50 “Pleasantville”, e un giorno ci finiscono dentro, diventando rispettivamente Bud e Mary Sue Parker, i due figli della famiglia protagonista della serie.
“Ho avuto una bella giornata”. Uno dei capolavori nascosti del panorama mainstream americano anni ’90, appartenente a un genere – la commedia fantasy – affascinante e rischioso come pochi, con sempre meno esemplari all’altezza dei grandi classici hollywoodiani. “Pleasantville” è precisamente uno di questi, un film-cometa che illumina la scena per due ore con grazia, leggerezza e umorismo che col senno di poi hanno del miracoloso, visto che la carriera del californiano Gary Ross (qui alla sua prima regia) non si è poi distinta granché negli anni successivi. Comunque sia, per caso o per fortuna o grazie a chissà quale congiunzione astrale, “Pleasantville” merita di far parte di quella categoria di film del cuore che sopravvivono anche alla cinquantesima replica, opera d’arte ispiratissima e facilissima da amare. La geniale idea di partenza, sviluppata con un uso creativo del colore e degli effetti speciali che fa subito pensare a “Forrest Gump” e a “La rosa purpurea del Cairo”, va subito oltre la dimensione di episodio da serie tv che sembrava all’inizio e col passare dei minuti si fa rotonda, bella, completa, didattica ma mai prevedibile né petulante, divertente senza mai neanche pensare di essere volgare. Elogio elegantissimo e scatenato dell’errore, del difetto, del dubbio come motore della vita e (nel suo piccolo) della civiltà. Una grande squadra di caratteristi al servizio di una sceneggiatura infallibile, con i giovani Tobey Maguire e Reese Witherspoon al decollo delle rispettive carriere. Super colonna sonora, furbetta ma di sicuro impatto, con capisaldi di Miles Davis (“So what”) ed Etta James (“At last”, di cui se ne fa magnifico uso), fino alla gran bella cover di Fiona Apple di “Across the Universe” dei Beatles. Tante scene memorabili, su tutte quella in cui la signora Parker (una meravigliosa Joan Allen) scopre le nuove e inattese potenzialità che si nascondono in un banale bagno caldo.

Voto: 8

Attrazione fatale (Adrian Lyne, 1987)

cinemascope85 — Thu, 05 Jan 2012 17:01:55 +0000

Un rampante avvocato con bella famigliola incontra per caso una bionda femme fatale e ci va a letto senza farsi troppi problemi, sottovalutando le imprevedibili conseguenze del caso.
Pochi autori sono così rappresentativi degli anni ’80 USA come il britannico Adrian Lyne, regista lanciato dal successone di “Flashdance” (1983) e quindi abilissimo a vellicare i pruriti dello spettatore con “9 settimane e 1/2″. Un anno dopo porta il suo meccanismo a vette di perfezione con “Attrazione fatale”, micidiale frullato di reaganismo e yuppismo che concentra in due ore tutti i desideri e le paure dell’occidentale medio: l’affermazione sociale (che ha come immediata conseguenza l’affermazione sessuale), la mancanza di sicurezza e la voglia di giustizia privata, il terrore ipocrita del maschio dominante di “perdere tutto”. Film accattivante nella confezione e nel ritmo quanto odioso nella sua sempre crescente misoginia, che addossa tutte le colpe alla matta di turno assolvendo del tutto il buon Michael Douglas, che ne esce intonso come un bambino. Non stupitevi, perciò, se vi ritroverete più o meno inconsciamente a fare il tifo per Glenn Close. Dopo il boom, gli anni ’90 accompagneranno Lyne in quell’oblio da cui non sarebbe mai dovuto uscire.

Voto: 5+

Gaudium magnum

cinemascope85 — Tue, 03 Jan 2012 17:10:05 +0000

Dopo appena cinque anni e due mesi, Cinemascope approda su Facebook! Ho sempre avuto i riflessi pronti.

http://www.facebook.com/pages/Cinemascope/205235206234145

Animal Kingdom (David Michod, 2010)

cinemascope85 — Mon, 02 Jan 2012 23:42:14 +0000

Dopo la morte della madre, Joshua va a vivere dalla nonna che abita con i suoi tre figli: Andrew, un rapinatore braccato dalla polizia, lo spacciatore Craig e Darren, il più giovane e ingenuo. Non facilissimo sopravvivere.
Ispirato a un vero fatto di cronaca risalente al 1988 nel mondo della criminalità di Melbourne, è l’opera prima del 38enne David Michod, acclamato in patria e coperto di riconoscimenti un po’ dappertutto (fino addirittura alla nomination all’Oscar come attrice non protagonista per la “madre coraggio” Jacki Weaver). Un po’ per spirito anticonformista un po’ perché ci crede, la via australiana al crime movie è lontana mille miglia dalle convenzioni del genere, stabilite dagli americani ed esportate in tutto il mondo: con grande risparmio di inseguimenti, sparatorie e altre efferatezze, Michod batte la strada dell’indie puntando tutto sull’introspezione e sulla più che problematica convivenza tra morale, devozione alla famiglia e istinto di sopravvivenza (echi di “Fratelli” di Abel Ferrara). Risultato più che discreto con qualche asperità in fase di scrittura e di regia, dove di concessioni all’estetica e parentesi umoristiche à la Scorsese ce ne sono ben poche, ed evidenti mancanze di casting, visto che nessuno dei protagonisti maschili riesce a rubare la scena alla già citata Weaver. Ma è un film intenso, teso, moralmente ineccepibile, basato su un rigore formale che fa attendere con curiosità i futuri lavori di Michod.

Voto: 6,5

L’altro uomo (Alfred Hitchcock, 1951)

cinemascope85 — Sun, 01 Jan 2012 22:45:10 +0000

Un tennista di buon livello, alle prese con una complicata separazione matrimoniale, incontra in treno un ricco scapestrato che gli propone un piano diabolico: si offre di fargli fuori l’ex moglie se lui, in compenso, gli ucciderà l’odiato padre.
Tratto dall’omonimo romanzo d’esordio di Patricia Highsmith, grande classico firmato Alfred Hitchcock. Tra i suoi film più gotici ed espressionisti, non solo nello stile (nell’intera cinematografia del Maestro non si ricorda una scena più concitata e mozzafiato di quella finale sulla giostra) ma anche per una certa bizzarra combinazione di umorismo e grottesco che fa capolino anche nelle scene più drammatiche (l’incontro col bambino col palloncino al luna park è un frammento degno di Fritz Lang). Per il resto è un compendio hitchcockiano di figure e temi ricorrenti, dal topos del doppio alla presenza del treno, affrontati con ritmo serratissimo e dialoghi sopra le righe (per i quali vanno forse riconosciuti dei meriti a Raymond Chandler, il grande autore di gialli e polizieschi che collaborò alla sceneggiatura ma fu comunque silurato da Hitchcock a metà realizzazione). Il miglior film nonché l’ultimo di Robert Walker, eccellente villain atteso nel 1951, a soli 32 anni, a una morte per overdose su cui non fu mai fatta piena luce. Alla figlia Patricia Hitchcock spetta la parte della futura cognata impicciona. Il McGuffin di turno è un accendino smarrito dal tennista a inizio film, protagonista di un incalzante montaggio alternato verso la fine. Conosciuto anche come “Delitto per delitto”.

Voto: 7,5